一直以來，我們所認識的林葆靈多以捕捉生命中真實的景象為創作主題，從城市繁華的夜景到冷冽壯麗的雪景，每一幅都讓人身歷其境、為之驚嘆。然而，2022年他的全新個展《自由的光芒》所帶來是令人驚艷與興奮的作品，大面積平塗的豔紅、跳脫夜晚的場景、挪用名畫與漫畫的構圖、充滿戲劇張力的「沒有名字的小傢伙」與超越平面的三度空間作品，讓我們看到他在藝術上嶄新的突破。《自由的光芒 – 林葆靈個展》將從2022/9/3展至10/29，共計8週，誠摯邀請貴賓蒞臨現場，感受不一樣的林葆靈。 由於疫情的影響，對於人的遷移有諸多限制，人們開始產生不自由的感受，進而引發林葆靈對於「何謂創作自由」的思考。在獨居創作的生活裡，他沉浸於文學、動漫、影劇等，並將他人與自己所創造出的世界交融在一起，試圖尋找出何謂創作自由的答案。他將人們所熟知的繪畫、文學、漫畫作品融入創作中，並化身為「沒有名字的小傢伙」展開追尋自由之光的漫長旅程。《前浪》再現了葛飾北齋的《神奈川沖浪裏》。他用藍紫色渲染整片天空，再透過精湛的寫實功力，以仰視的視角使滔天的巨浪更具量感與張力。此巨浪正是由藝術史所累積的強大能量，乘著筆筏的小傢伙在漂浮著顏料管的藝術之海中破浪而行，海浪不斷將他推送到浪頂，彷彿就快要觸及懸在天上斗大的明月。至於何時抵達頂峰，林葆靈只將答案留給了自己。
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林葆靈 /《前浪》 /壓克力與亮粉於製圖膠片/ 88 x 86 公分 /2022 LIN Bao Ling /The Great Wave /acrylic and glitters on multi-media vellum / 88 x 86 cm / 2022 |
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林葆靈 /《斬 II》/ 60.5 x 45.5 公分/ 壓克力於畫布 / 2022 LIN Bao Ling / Slash II / acrylic on canvas /60.5 x 45.5 cm /2022 |
在最新作品中，最令人驚豔的是跳脫以往既定的藍紫色系框架，用色大膽且無時間性的《斬》系列，它就像是藝術革命再重生的過程。在此，他以大面積平塗的方式處理背景，鮮豔的紅色抹去了時間。小傢伙在象徵革命的紅色包圍之下，顯得更有殺氣與能量，強烈的視覺印象衝擊著感官，挑戰觀者的視覺極限。小傢伙在《斬II》中化身為漫畫《浪客劍心》的主角，展式威力強大的劍技「九頭龍閃」。在此他融合了封塔納的概念，將每個方位的畫布劃破，讓作品從二維衝破至三維空間，突破了繪畫一直以來的框架。
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| 林葆靈 / 《創作的世界 II》/免燒陶土/壓克力顏料/電子蠟燭/複合媒材/ 33 x 26 x 34 公分/ 2022 LIN Bao Ling / The Creation II / air dry clay/ Led candle light / mixed media /33 x 26 x 34 cm /2022 |
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| 林葆靈 / 《創作的世界 II》（局部）/免燒陶土/壓克力顏料/電子蠟燭/複合媒材/ 33 x 26 x 34 公分/ 2022 LIN Bao Ling / The Creation II(detail) / air dry clay/ Led candle light / mixed media /33 x 26 x 34 cm /2022 |
雖然這幾年林葆靈仍以平面創作為主，但2022年開始產生比較大的轉向。此次個展展出近一半的立體作品，如《一個人的遠航》、《死神》及《創作的世界》系列。《創作的世界II》所刻劃的是在一片雪白的寒冬夜晚，小傢伙蹲在描繪營火的畫布前取暖並流露出滿足的神情。營火就像是林葆靈對藝術創作自由的熱情與追求，冰天雪地有如不自由的框架，他認為「最終，我們只能在不自由的框架裡奮力追尋、戰鬥與掙扎，又或順其自然不抵抗，欣賞那虛幻的，偶爾閃耀出的自由光芒。」
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| 林葆靈 《自己領導自己》 壓克力/畫布 65 x 91 公分 2022 |
▎展 名 Exhibition丨 自由的光芒 – 林葆靈個展丨The Light of Freedom – A Solo Exhibition by LIN Bao Ling
▎藝 術 家 Artists丨林葆靈LIN Bao Ling
▎展 期 Date丨2022/09/03 (Sat.) - 2022/10/29 (Sat.)
▎開放時間 Opening Hours丨週二至週六 10:00-19:00
▎地 點 Location丨索卡藝術．台北丨台北市中山區堤頂大道二段350號丨 Soka Art Taipei丨No.350, Sec.2, Tiding Blvd., Zhongshan Dist., Taipei City
▎聯 繫 Contact丨林家萱丨hsuanlin0506@gmail.com丨02-2533-9658
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在疫情肆虐的日子裡，常可聽到的一種抱怨是不能出國，覺得很悶，不自由。引發我聯想到：一生都與幾隻同類擠在一個約A4大小籠子的飼料雞、三十歲起便足不出戶的美國詩人艾蜜莉‧狄金生（Emily Dickinson，1830 – 1886）、晚年三十年間幾乎不出門的日本畫家熊谷守一（1880 -1977 ）、電影《海上鋼琴師》裡，從小到大都在蒸汽客輪上生活的男主角1900、以劃破畫布聞名的阿根廷/義大利藝術家盧齊歐·封塔納（Lucio Fontana，1899 -1968）、得到閉鎖症候群的前法國時尚雜誌《Elle》的總編輯，鮑比 (Jean-Dominique Bauby，1952 - 1997)、小說《人性的枷鎖》（Of Human Bondage）裡夢想成為隨船醫生，環遊世界的菲利普、漫畫《進擊的巨人》裡，不甘被局限在牆內、渴望自由的艾蓮，還有漫畫《l浪客劍心》裡殺人無數的維新志士，劍心 … …。
行動範圍，要有多大才算自由？是不是慾望越少越小就算越自由？到底「自由」是什麼？「創作自由」又是什麼？
獨居創作的生活，有時幾天沒出門，行動範圍往往只有在家附近，很少離開台北。沉浸在文學、動漫、影劇等，穿梭在他人與自己的創作世界裡，將自身帶入其中的各種角色，於是他人的創作世界與自身的創作世界產生某種程度的交融。長時間呆在工作室，對於不能出國或是單純的生活，並不感到不自由或無聊。每日畫著畫，也用陶土捏出自創角色「沒有名字的小傢伙」，有時也為他搭建場景，像是工作室裡的神，體驗著造人與創世的過程。神說要有光，我也在畫裡描繪了光， 在部分立體作品中則運用了led燈。新的點子不斷湧現，忙於嘗試。經歷自身想法上的拉扯，摸索不熟悉的工法、材料與工具，解決創作上遇到的種種困難，彷彿是與「小傢伙」一起經歷了一次次小小的冒險。我想，尋找新奇事物未必一定要到遠方，那些不曾真正了解的周遭環境與人事物，或是自身的內心，都可以是值得探索的陌生領域，當感知敏銳時，所謂的尋常風景都不尋常；不管是生活或是創作，不被習慣與過多的執著所局限，願意嘗試不熟悉的事物，都可以視為一種對「牆外」的探索，對自由的追尋。艾蜜莉‧狄金生與熊谷守一或許也是這麼想的吧。
鮑比因為患上閉鎖症候群，全身癱瘓，只剩下一隻眼睛可以眨眼，並藉由眨眼與外界溝通，並完成了著作《潛水鐘與蝴蝶》。書中有描述到他覺得患病後彷彿被困在潛水鐘般的身體裡；但藉由想像，他能在記憶與時空裡翱翔，感到短暫的自由。創作者其實就和鮑比一樣，雖然人在工作室裡，但可以通過想像去到許多地方，並試著把想像化為實體作品，現今的網路延伸了人的視聽範圍，更便於累積建構想像世界所需要的素材。然而，就如同鮑比通過想像能去到，做到的，只有在他的記憶裡有的，記憶裡沒有的，似乎就難以藉由想像企及。其實人們也只是在比較大的潛水鐘裡，行動與思考想像的範圍也都有界限。創作者畫下的每一筆似乎都是受了學過，或看過的表現方式影響，思考的每件事亦同，沒法「無中生有」，只能延續著前人的足跡，試著努力再走的更遠一點點，或是在途中另闢蹊徑；又或是將前人視為敵人，讓所謂的「反派」來成就所謂的「英雄」，又或互相敵視。世界上大概沒有什麼百分之百原創的作品，如同作家強納森‧ 列瑟（Jonathan Lethem，1964-）所說，「被稱為「原創」的東西，十之八九是因為人們不知其參考或原始資料來源。」用已知去想像未知，拼湊組裝見過的事物，如同龍是由幾種不同動物的部分形象拼湊而成的幻獸。認清自己想像與思考的局限性或許使人感到無力，彷彿再拼命也逃不出如來佛的手掌心；但亦能使人謙卑。看著三萬多年前的洞穴壁畫， 那些以線條生動描繪的動物令人驚艷，如果沒有史前畫家留下的繪畫遺產，會不會也沒有後來的素描、浮世繪與漫畫等? 若要把「長江後浪推前浪」改成「長江前浪推後浪」該也算成立？
藝評家約翰柏格（John Berger，1962-2017）曾說：「所有的現代藝術家都認為創新才是接近真實的路徑⋯⋯只有在這一點上，現代藝術家與革命是肩並肩的：他們都起源於扯下陳腔濫調的渴望。」封塔納便是其中之一，他認為，藉由刺穿畫布與割開畫布「創造了無限的一維」。而「打破了畫布的空間好像在說：自此我們可以自由地做我們喜歡的事了。」他也意圖擺脫傳統的繪畫形式與藝術觀念：「我似乎象徵性的逃離了畫布，但實際上，我永遠擺脫了畫面的枷鎖。」「刺」與「割」這種像是暴力破壞的動作，讓我想起畢卡索說過：「對於破壞的嚮往，同時也是一種對創造的嚮往。」也讓我聯想到試圖通過暴力得到自由的艾蓮，以及為了創造新時代而揮刀的劍心。他們的行為似乎也可視為在打破框架，掙脫枷鎖。然而，通過同類相殘，他們最終讓自己或別人真正自由了嗎？攻擊別人也被人攻擊，揮出的拳與刀傷了別人的同時也可能傷了自己，存活下來的人似乎也難免身心都傷痕累累，會不會死去的人才是真的解脫？而高行健在〈作家的位置〉 寫過：「... 20世紀藝術的革命家們一再宣告繪畫已死，或是反藝術，或是零藝術的來臨，而現今許許多多的畫家卻依然默默在畫。」若說藝術革命是為了追求藝術創作的自由，那現今的畫家是否就仍處在不自由的創作環境中？
都說「創作是自由的」，但絕對的自由，沒有任何限制有時反而令人不知所措，猶如在無邊的海上，沒有方向地漂流。導演/作家北野武在其著作《北野武的小酒館》中寫過：「自由這種東西，只有在一定程度的框架下才能成立。想幹啥就幹啥是一個没有框架的概念，在這個概念裡是没有自由的，有的只是混沌。」他以足球為例，有不能用手，球必須踢進球門框架裡等限制，如此不自由的運動還大受最不願被束縛的年輕人歡迎。他認為：「就像光與影，正因為是在不自由的框架中交戰所以才閃耀出自由的光芒。正因為重力把人拉向地面，所以人類才會有了那个永恒的飛天夢想。」這令我想到《海上鋼琴師》裡的1900，沒有人禁止他下船，但他決定一生都在船上生活，死也不願離開。他覺得在鋼琴上面, 他可以在88個琴鍵裡創造無限； 但陸地太大，選擇過多，令他無措。球員們和1900，似乎都出於自由意志，選擇了局限自己，並在局限中找到自由。
若說限制反而給人自由；而創作是沒有限制的，那創作不就反而不自由了？似乎，遵循著那自己常也難以釐清的內心真實想法，給自己設限制仍是需要的，但有時或許也只是在把來自外界的各種想法主張，在覺察或未察覺間硬套在自身，然後誤以為那是自己內心的真實想法。於是制約我們自己的共犯或主謀，常就是自己。就像《人性的枷鎖》裡的菲利普，他在終章覺察了自己其實並不想環遊世界，於是放棄，選擇結婚，安定下來，過他曾覺得不想要的所謂平凡生活。他反思自己曾受別人灌輸的思想左右，他做的都是他覺得該做的，而非他內心真正渴望做的。推翻了自己一直以來的想法是否也算是一種思想革命？這樣的菲利普是否反而真正地自由了？然而菲利普其實只是作家筆下的角色，其所思所想，所作所為都是被決定的，沒有自由意志可言，而我們每個人會不會也都是虛構角色般的存在？
框架無所不在，而「執著」或許便是不自由的一大源頭，在執著於必須自由的同時便掉進了名為自由的框架，當不刻意追求自由時或許反而會得到自由，如同不會游泳的人在水中掙扎反而會沉，身體放鬆的狀態反能漂浮。這樣想的話，似乎只有對一切都不執著的人才能真正的自由吧？然而凡夫俗子如何能做的到？最終，我們只能在不自由的框架裡奮力追尋、戰鬥與掙扎，又或順其自然不抵抗，欣賞那虛幻的，偶爾閃耀出的自由光芒。
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